2020 no ha sido el mejor año para la música, pero St Woods lo ha aprovechado al máximo. Ha publicado su impecable álbum debut, Bones, se ha incorporado al roster de ATC Live (The Lumineers, Passenger, Big Thief) y ya tiene los cimientos para comenzar una importante gira (si el coronavirus lo permite) en 2021.
Hablamos con el artista madrileño sobre sus inicios, influencias y profundizamos en los detalles de su primer disco.
Entrevista a St Woods
Tus inicios. Todo comenzó en Gante (Bélgica), con una guitarra y en la calle.
Sí, fui a hacer mi Erasmus en Gante un poco a bote pronto porque mi primera opción era Manchester. Me llevé la guitarra, que la llevo a todos lados, y decidí un día ponerme a tocar en la calle y aluciné. De lo que fui ganando en Bélgica fui ahorrando y realicé un viaje por otros países de Europa: Holanda, Hungría, Italia, etc.
Luego volví a España, y decidí ir un paso más allá a ver qué ocurría. Recopilé todo lo que había escrito y derivó en la dirección de los primeros sonidos del disco (Bones) que fue la culminación de todo el proceso.
Entre las ciudades que recorriste estaba Londres, ¿dónde descubriste el término “busker”?
Sí, fui a Londres y desde entonces voy una o dos veces al año. Creo que es una de las ciudades con más escena musical y donde hay más “comunidad”. En todas las ciudades la hay, pero así como en ellas me quedaba una semana, en Londres me quedaba un par de meses.
Bonus W&L: El término “busker” proviene del inglés y hace referencia a los músicos callejeros
En esta ruta de ciudades es donde te decantas más por el estilo indie folk, ¿crees que este estilo de música tiene buena acogida en España?
No sabría qué decirte, creo que en España no está acogido desde el producto nacional porque en el fondo luego vienen Bon Iver o The National y se venden las entradas muy rápido.
Creo que a día de hoy, hay cabida para todos los estilos de música en España, es más la cuestión de que alguien toque la tecla correcta y se empiece a construir a partir de ahí.
Me gustaría profundizar en tu álbum Bones, un trabajo con muchísima carga sentimental donde prácticamente todas la canciones relatan un experiencia que tuviste a lo largo de los últimos años
Todo comienza con la idea de querer grabar mi disco en los Estudios Reno junto con Luca Petricca que ya había grabado con grupos grandes como Izal o Xoel López. Yo ya tenía mi disco pensado y las fechas de los estudios cogidas; y a dos meses de entrar en el estudio, en mi familia perdemos a dos personas muy importantes. Empecé a escribir, más por acto reflejo que otra cosa, y cuando terminé me di cuenta que tenía 12 canciones muy sólidas que dan más sensación de disco que lo que tenía pensado anteriormente.
Una vez entro en el estudio, conozco a Brais Ruibal, el otro productor y empezamos a trabajar los tres juntos. Y fueron dos meses en el que la vida nos pilló a cada uno con nuestro duelo particular y el resultado final se traduce en este disco.
Todo el disco en su conjunto me ha gustado mucho y creo que refleja una marca propia, pero en especial hay 5 canciones que me parece que tienen un sonido o producción muy potente y querría saber más acerca de ellas.
¡Muchas gracias! Adelante.
Primero, el tema con el que comienza el álbum: “On Me”. Una mezcla de AutoTune, piano y batería que confluye en un una canción bandera del disco y es una presentación clara de lo que va a ser St Woods
Creo que es el tema que mejor representa mis intenciones musicales, y a nivel interno refleja muy bien lo que es el disco y el resultado de un trabajo realizado conjuntamente por tres personas partiendo desde una premisa emocional.
“On Me” era una canción que yo tenía escrita a guitarra, muy lenta; y que por alguna casualidad Brais introduce una base de piano para otra canción que estábamos trabajando y al final quedó muy bien. Creo que es el “pin” de este disco que marca muy bien la movida que hemos venido a hacer.
Avanzando en el álbum nos encontramos con el tema “A Part From God”, una canción en la que subes el volumen a tope pero que choca con el triste mensaje que transmite: la lucha interna que experimenta una persona al perder a un ser querido.
A nivel narrativo, esta canción habla mucho de lo que es el disco, que es el duelo de perder a una persona y las fases que pasas para superarlo. En “A Part From God” hay referencias directas que unidas al strum de guitarra y el ritmo que tiene, te hace cantar con rabia; que era lo que andábamos buscando. Una canción en la que puedas gritar, y gritando tenga cabida en lo que estás haciendo en la canción.
En especial con esta canción, ¿crees que en el dolor se puede encontrar la belleza?
Si, esa premisa creo que subraya mucho todo el disco. Sin querer dar lecciones de nada, siempre está esa idea preconcebida de que uno tiene que ser feliz, no se puede estar triste; cuando quizás hay que entender el espectro. Ni estar feliz todo el rato es lo mejor, ni estar triste lo peor. Hay que encontrar un punto medio.
También creo que hay una parte del sufrimiento o de la tristeza que merece su atención y también ser apreciado. En este disco se habla de ello, todo el dolor que tú sufres por alguien, implica que esa persona ha causado semejante impacto en tu vida que te va a ocasionar un dolor muy profundo cuando se vaya.
Llegamos a “River”, donde se realiza un leve giro dentro del estilo del disco hacia un tono un diferente. En el tema se notan ciertas referencias musicales de grupos como Novo Amor o Ben Howard. Te inspiraste en ellos a la hora de hacer esta canción o el álbum completo?
En “River” había una cierta intención de homenajear canciones de artistas como Ben Howard en su primer disco o Bon Iver en su álbum Holocene, en las que son temas que sin tener una batería virtuosa, te llevan constantemente en un mantra. Creo que “River” nos va a venir genial en los directos porque, como decías, permite hacer un leve giro, cambiar la vista y bajar el tempo.
“Cinema”, la canción que más te costó escribir. ¿Por qué?
En “Cinema” existen metáforas, que no referencias, sobre ciertas cosas que yo todavía sigo gestionando conmigo mismo. De hecho, el significado de la canción quizás es un poco romanticón, en el que dos personas, para jurarse su amor eterno, tallan sus nombres en el árbol con un cuchillo; y con una amiga mía divagaba en el concepto de que para que algo o alguien se quede reflejado por mucho tiempo, tienes que usar un instrumento que te puede hacer daño en cualquier momento.
Probablemente “Cinema” me costase mucho porque, sin ser una canción tan compleja musicalmente hablando, hay que cantarla de tal forma que la carga lírica pueda doler.
Y finalmente llegamos a “Bones (Psalm)”, donde aunque las comparaciones son odiosas, recuerda mucho al estilo de Bon Iver en su álbum 22, A Million.
Al ser la última canción del álbum, quería realizar una especie de Epílogo que marcase un final de un capítulo, y cerrarlo de una forma tan agresiva que me obligara a hacer otras cosas en un futuro. En mi opinión, considero que tiene más similitud con Kanye West y cuando comenzó a utilizar el AutoTune. Pero sí, la intención final de la canción era realizar una especie de “Salmo responsorial”, haciendo otro guiño más a la religión donde abordo el tema a lo largo del álbum, donde hable de cerrar capítulo dejando puertas abiertas. Hablar de algo tan cotidiano, con una producción artificial.
Cerramos Bones y pasamos a tu último lanzamiento “My Honor” un pivotaje respecto al anterior álbum.
Creo que refleja como trabajo yo. Si escucho mucho a un artista acabo plasmándolo en mis canciones, y últimamente no paro de escuchar a Elton John. Me apetecía sacar una balada a piano, de estructura fácil de entender, pero sobre todo de más intención que otra cosa. Lo que me gusta de “My Honor” es que estaba acostumbrado a producciones mas enrevesadas, y esta es una canción más simple que las propias de Bones, no tiene tantos adornos, y creo que esto es más difícil de conseguir.
¿Crees que ha tenido buen acogida por parte del público?
Cualitativamente creo que si, creo que funcionará muy bien en los directos. Hemos tenido la suerte de anunciar la canción junto con un videoclip y un concierto al mismo tiempo, lo que ha conseguido que se cumpla el objetivo en su totalidad.
Ya tienes agendados varios conciertos: 4 de febrero en Teatro Lara, DCODE 2021…
Correcto, ¡y otras muchas cosas entre medias! Tengo muchas ganas y es la primera vez que presento un concierto junto con una banda. Pero el Teatro Lara era un capricho que tenía si algún día podía elegir la sala en la que tocaba. Primero porque creo que el escenario se adapta muy bien a lo que es el disco y segundo porque considero que el Teatro Lara es uno de esos puntos referencia de la cultura emergente.
¿Habrá sorpresas en el directo?
Las habrá. Saldrán canciones nuevas y el estilo de concierto va a ser toda una experiencia: transiciones, interludios, conectar canciones entre si… con el objetivo de que el artista hable y ofrecer una narrativa musical.
Sabemos que eres fan confeso de The Office, debes tomar una decisión: tocar un dueto con Andy, gastar una broma a Dwight junto a Jim o recibir un premio Dundie de Michael Scott.
¡Recibir un Dundie sin duda alguna! Tengo una obsesión con The Office y soy súper fan de Steve Carrell, y sería un honor recibir un premio de su parte.
